Non è un’opera che conceda molte vie di fuga. In poco più di un’ora, Dido and Aeneas concentra amore, politica, tradimento e morte in una forma teatrale di straordinaria densità, affidando a Purcell una musica capace di passare dalla danza alla declamazione, dal coro alla più nuda introspezione. Aprire con questo titolo la nuova stagione del Teatro Goldoni di Livorno, dove mancava da vent’anni, è dunque una scelta tutt’altro che prudente. Ancora più ambiziosa è la decisione di presentarlo con una nuova ricostruzione del Prologo, affidata ad Attilio Cremonesi e Francesco Bondì. Ed è proprio intorno a questa doppia scommessa, filologica e teatrale, che si misura il risultato dello spettacolo.
La prima esecuzione mondiale della nuova ricostruzione del Prologo rappresenta naturalmente l’aspetto più singolare dell’operazione. La partitura di Dido and Aeneas ci è giunta in una forma lacunosa e l’ipotesi di un Prologo originario è stata più volte affrontata dagli studiosi. Cremonesi e Bondì scelgono però di non limitarsi a colmare un vuoto con una semplice introduzione musicale: costruiscono una scena autonoma, utilizzando materiali corali di Purcell e un testo tratto dall’Inno omerico a Giunone, nella traduzione in inglese antico di Mattia Mantellato.
Il risultato è interessante soprattutto come esercizio di ricomposizione per analogia. Siamo di fronte alla costruzione di un possibile Purcell a partire da elementi autenticamente purcelliani, non alla restituzione di qualcosa che sia stato realmente ritrovato. È una differenza sostanziale, che lo spettacolo avrebbe forse potuto rendere ancora più evidente: il valore dell’operazione sta proprio nella sua natura ipotetica, nel tentativo di immaginare ciò che non possiamo più conoscere.
Convince la dimensione scenica firmata da Francesco Bondì. Il punto di partenza è il vuoto: quello lasciato dalla perdita del passato, quello prodotto dalla distruzione, ma anche quello necessario perché una città possa essere fondata. Didone ed Enea sono infatti due figure accomunate dall’atto fondativo: lei fonda Cartagine, lui è destinato a fondare Roma.
La scena, ispirata alle cave di tufo di Favignana, trasforma questa idea in materia teatrale. Una superficie chiara, quasi minerale, diventa contemporaneamente terreno, cava, luogo di estrazione e ferita. La costruzione della città nasce così da una sottrazione. È un’immagine efficace, che trova nel finale la sua piena rispondenza drammatica: quando tutto è stato consumato, ciò che rimane è precisamente il vuoto.
Bondì lavora bene anche sul rapporto fra corpo, spazio e potere. Didone non è soltanto una donna abbandonata: è una sovrana che vede incrinarsi l’immagine che ha di sé, tradendo il giuramento fatto al marito morto e mettendo a rischio il futuro che aveva immaginato per il proprio popolo. Il riferimento alla figura della Virgin Queen e alla sovranità di Elisabetta I contribuisce a spostare la tragedia dal piano puramente sentimentale a quello politico.
Il limite è semmai nella gestione di quello stesso spazio. Il movimento quasi continuo dei performer e della compagnia di danza tende a riempire ogni vuoto, rischiando talvolta di trasformare una scelta drammaturgica in un automatismo. In un’opera che fa della sottrazione il proprio centro simbolico, qualche momento di autentica immobilità avrebbe avuto una forza forse maggiore di una continua elaborazione gestuale. Altrettanto poco efficace l’antro delle streghe, con toni poco oscuri, i medesimi troni sulla scena, costumi didascalici e la rinascita imbarazzante di pseudo-zombi.
Nicola Savazzi firma luci capaci di accompagnare i vari momenti della vicenda, mentre le coreografie di Sabrina Vicari contribuiscono a costruire una dimensione rituale. Meno convincente, invece, la scelta di collocare il Coro Arché, preparato da Marco Bargagna, nella buca: musicalmente efficace, ma teatralmente privato di una parte della sua funzione drammatica.
Sul podio Attilio Cremonesi affronta Purcell con evidente consapevolezza dello stile. Gli Auser Musici restituiscono una tavolozza strumentale appropriata, trasparente, attenta alle caratteristiche della scrittura barocca. Ma proprio qui emerge una delle riserve dello spettacolo: la precisione non coincide sempre con la tensione.
Dido and Aeneas vive infatti di contrasti estremamente netti. Il ritmo della danza deve poter diventare improvvisamente minaccia; il recitativo deve contenere già la crisi; l’ostinato del basso deve assumere un carattere quasi ossessivo. In alcuni momenti la direzione sembra invece accontentarsi di una corretta definizione delle superfici, senza spingere abbastanza a fondo il conflitto che le attraversa.
Il centro dello spettacolo resta Anna Caterina Antonacci. La voce non possiede più la compattezza e la regolarità di un tempo e il vibrato, in alcuni passaggi, diventa evidente; ma sarebbe riduttivo fermarsi a una valutazione puramente vocale. Antonacci possiede ancora una qualità teatrale rara: sa dare peso alle parole, costruire il gesto a partire dal suono e trasformare la linea musicale in un’azione.
La sua Didone è una donna che cerca fino all’ultimo di conservare il controllo di sé, e proprio la progressiva perdita di questo controllo rende doloroso il finale. Il celeberrimo “When I am laid in earth” diventa così il punto in cui la cantante rinuncia a ogni effetto esteriore. Mezze voci, accenti appena trattenuti, sospensioni: la scena funziona perché Antonacci riesce a costruire una presenza drammatica capace di dominare il palcoscenico.
Enea Scala affronta Enea con un timbro scuro e una presenza scenica autorevole. La sua esperienza nel repertorio del belcanto e in particolare nel mondo rossiniano emerge nella solidità della linea, ma la scrittura di Purcell, più grave e declamatoria, non gli permette sempre di valorizzare pienamente le proprie qualità.
Penelope Kendros è una Belinda luminosa e precisa, capace di sostenere il rapporto con Didone. Margherita Sala offre alla Maga una presenza scura, compatta, magnetica: il personaggio acquista grazie a lei una concretezza che evita il rischio della caricatura, dettata invece dai costumi.
Prova solida anche per Anita Montserrat e Valentina Coletti nei ruoli delle streghe, dello Spirito e del Marinaio, così come Erica Zulikha Benato nella Seconda Donna. Il Coro Arché mantiene un ottimo livello, sostenendo con efficacia la struttura corale dell’opera.
Una produzione ambiziosa e non priva di interesse, che trova nel suo finale il punto di maggiore verità. Gli applausi del pubblico del Goldoni hanno premiato in particolare Anna Caterina Antonacci e il lavoro della compagnia artistica e musicale, confermando il valore di una scelta inaugurale coraggiosa, che segue il debutto pisano.
